Livres Photographie

Après avoir travaillé pour le cinéma, le couple fait le choix en 2005 de se reconvertir en marchands de photographies d'amateurs ou d'anonymes. Ils parcourent notamment les brocantes et les marchés à la recherche de nouvelles images. Là, ils trouvent une "multitude d'images en tous genres, mêlant photos de famille, clichés scientifiques, scènes érotiques, photos de presse." C'est ainsi qu'ils montent à Montreuil la galerie Lumière des roses et qu'ils participent pendant vingt ans à la foire internationale de photographie Paris Photo. 

"Les photographies dont on ignore tout ou presque sont de formidables pourvoyeuses d'histoires. Détachés de leur ancrage, ces fragments de vie s'ouvrent à toutes sortes de lecture. [...] Ces petites archives volées à la sphère privée sont des trésors d'inventivité. Loin du regard des autres, elles échappent aux conventions de ce qui serait une "bonne photographie"."

 L'Atelier des éditions Xavier Barral réalise, une nouvelle fois, un très beau livre. Ce livre est publié à l'occasion de l'exposition "Éloge de la photographie anonyme", présentée aux Rencontres de la photographie d'Arles 2025.

"Si toutes les images m'intéressaient, je serais sans doute devenu fou depuis longtemps [...]. Ce qui m'intéresse ce n'est pas fatalement ce qui est le plus beau, c'est la puissance - la dynamis des Grecs - dans les images [...]. Voilà aussi pourquoi ce n'est pas seulement vers "l'art", le "grand art", que je porte mon attention : la puissance d'une image n'est pas proportionnelle à son inscription dans les registres des beaux-arts." Cet extrait est issu d'un entretien réalisé avec Georges Didi-Huberman.

Dario Cimorelli et le Jeu de Paume éditent le catalogue de l'exposition de l’œuvre photographique de Letizia Battaglia. L'exposition a lieu jusqu’au 18 mai 2025 à Tours et prendra place à Arles du 7 juillet 2025 au 5 octobre 2025.

Le catalogue montre de très belles reproductions des images prises par la photographe italienne. De manière générale, il y a quelques exceptions, les deux cents photographies sont organisées par période et par ordre chronologique. Ces photographies sont accompagnées de textes, écrits par Walter Guadagnini, Melissa Harris, Monica Poggi et Marta Sollima. Ces textes rendent compte de l'importance de l'engagement de Letizia Battaglia pour Palerme à travers la photographie, par ses actions en tant que citoyenne et femme politique.

La photographe commence à photographier pour le quotidien l'Ora au début des années 1970. Elle continuera à photographier, notamment les crimes commis par la mafia durant les décennies 1970 et 1980. Les images issues de cette période et de ce contexte sont certainement celles qui ont fait la notoriété de la photographe. Elles sont d'une grande puissance, par les scènes qui laissent deviner une grande violence montrée par un cadrage, la plupart du temps, très rapproché. Il faut ajouter l'ensemble des portraits d'enfants, plus généralement de la vie quotidienne de Palerme comme thèmes majeurs de son oeuvre. Ce n'est pas un hasard si elle devient la directrice, en 2017, du Centre International de la Photographie de Palerme.

Son engagement ne se limite pas à la photographie puisqu'elle participera à créer une maison d'édition, sera nommée adjointe au maire de Palerme et quelques années plus tard deviendra députée au parlement régional.

Ce catalogue dévoile le travail d'une personne généreuse et hors normes.

Actes Sud édite "Je m'empare du monde où qu'il soit", dont la version originale a été publiée en 2020. Ce livre est composé de deux parties. La première est le récit fait par Letizia Battaglia de sa propre vie racontée à Sabrina Pisu. La seconde, écrite par Sabrina Pisu, est un regard porté sur le journalisme italien de la deuxième moitié du XXème siècle, ainsi que sur le contexte politique de la Sicile, de Palerme et par conséquent, inévitablement, sur la mafia. Ce livre, avec les traductions d'Eugenia Fano et Géraldine Bretault, fait écho à l'exposition qui a lieu au Château de Tours, jusqu'au 18 mai 2025, de l'œuvre photographique de Letizia Battaglia.

Letizia Battaglia est née en 1935 à Palerme. Elle restera profondément attachée à cette ville et à la Sicile jusqu'à sa mort en 2022. A travers son récit, on prend connaissance d'une vie peu commune et habitée d'une grande générosité. Adolescente, elle grandit face à un père qui lui impose cette idée : " A quoi bon faire des études, de toute façon un jour tu vas te marier, ça ne te sert à rien." Pour échapper à cet enfermement, elle se marie très jeune et devient mère de trois enfants. Pour autant, elle n'obtient pas davantage de son mari dans sa quête d'épanouissement. Letizia Battaglia révèle qu'elle commence à vivre à 35 ans, quand elle quitte son mari et débute sa carrière de reporter-photographe pour L'Ora, au début des années 1970. "Je suis venue à la photographie par hasard. Je n'avais ni la culture suffisante ni l'envie de photographier. Je voulais devenir écrivaine. J'ai commencé à photographier sérieusement en 1974. Avant, j'étais journaliste ou, plutôt, j'écrivais pour gagner mon pain." Elle dirige par la suite l'équipe de photographes du quotidien. En 1977, elle fonde une galerie de photographie, tout en dirigeant des ateliers de théâtre à la Real Casa dei Matti (l'hôpital psychiatrique de Palerme). C'est également à cette période que la mafia change de stratégie et opte pour une escalade de la violence jusqu'au milieu des années 1990 avec les assassinats des juges Falcone et Borsellino. Letizia Battaglia, notamment à travers son travail de reporter-photographe, documente les crimes commis par la Cosa nostra et les procès. Elle participe à un travail informatif, emprunt d'un caractère qui invite à la mobilisation et à la lutte. "Je photographiais tout. Brusquement, mes archives se sont remplies de sang. Des archives de douleur, de désespoir et de terreur, de jeunes drogués, de jeunes veuves, de procès et d'arrestations. Chez nous, Franco et moi étions entourés de mort, de personnes assassinées. C'était comme être au milieu d'un carnage. [...] Je sentais que je devais combattre. Il en allait de ma responsabilité, car j'appartenais au peuple sicilien. Nous ne devions pas permettre que la partie corrompue de la société décide de l'avenir de tous. C'est ainsi qu'avec mon appareil photo, je suis devenue folle, j'ai vécu une vie désespérée." Son travail sur la mafia, extrêmement puissant, participe à faire sa renommée. Letizia Battaglia devient internationalement reconnue lorsqu'elle remporte le prix photographique "William Eugene Smith" en 1985. Cette distinction récompense un travail qui dépasse le cadre du regard qu'elle porte sur la Costra nostra. La photographe sicilienne documente la vie quotidienne de Palerme avec une grande empathie. Elle poursuit son engagement politique en devenant adjointe au maire de Palerme, puis en obtenant une place de députée au parlement régional. Une aventure éditoriale voit également le jour quand elle crée les éditions "battaglia" en 1992 et si le Centre International de la Photographie de Palerme est créé en 2017 c'est en grande partie grâce à elle et ses fonds. Elle dirigera logiquement cette institution jusqu'à sa mort. Avec ce texte elle évoque aussi ses modèles, Pasolini, Koudelka, Pina Bausch...

La seconde partie, écrite par son amie Sabrina Pisu, permet de mieux nous rendre compte du contexte politique et social dans lequel vivait Letizia Battaglia. Elle met en lumière ce qu'était L'Ora, "une leçon de journalisme et de photojournalisme qui a fait date et a apporté une contribution importante à la construction d'une conscience civique parmi l'opinion publique de Palerme." Elle précise les caractéristiques, le fonctionnement de la mafia, et donne à comprendre comment la lutte contre la Cosa Nostra a été menée. Elle cite cet adage qui s'est cristallisé parmi les citoyens de Palerme à l'époque où la violence de la mafia semblait sans limite : "ce n'est pas la peine de faire des projets, parce que toute façon on ne pourra pas les réaliser, et ce n'est pas la peine de les réaliser, puisque de toute façon tout sera détruit."

Ce livre invite, avec une incroyable force, à préserver nos manières empathiques de vivre ensemble.

Ce livre est le résultat d'échanges, pendant dix années, entre la rédactrice en chef d'Aperture Melissa Harris et le photographe tchèque Josef Koudelka.

Delpire édite ce document précieux sur la vie et la carrière photographique de l'un des photographes majeurs du XXème siècle. Melissa Harris interroge Josef Koudelka sur son parcours d'homme et inévitablement de photographe. Ce livre est d'une richesse singulière dans la mesure où la rédactrice en chef d'Aperture s'entretient avec des membres de la famille de Koudelka ainsi qu'avec son entourage professionnel et amical. Tous donnent à voir un homme déterminé faisant peu de concessions concernant son rapport à la photographie.

Le lecteur découvre à la lecture de cet ouvrage les grandes étapes de la vie de Koudelka. Sa naissance en Moravie en 1938, ses débuts de photographe de théâtre, sa série sur les Gitans, l'exil à la suite de l'invasion de Prague par l'URSS, par conséquent son parcours à travers de nombreux déplacements et voyages. C'est aussi sa relation à la France et à Paris qui est donnée à comprendre. Son œuvre est également liée à l'agence Magnum, à Henri Cartier-Bresson et Robert Delpire entre autres relations. Koudelka évoque beaucoup d’éléments qui constituent ses liens au monde, le rapport aux mots, à sa famille, bien entendu à l'image, à la politique, au travail... En arrière plan de cette vie racontée, on voit se dessiner les évolutions politiques et sociales de nombreuses régions du globe.

Un livre qui nous permet également d'appréhender le rapport qu'entretient le photographe à la création visuelle. Son travail à la prise de vue, sa vision prolongée par les tireurs avec lesquels il travaillait, la conception de ses livres (Gitans, Exils...) et de ses expositions, l'ensemble de ces aspects de son travail sont mis en lumière.

Finalement Delpire édite une biographie absolument passionnante et saisissante.

Ce livre, écrit par Yannick Le Marec et publié par Loco, propose une analyse singulière de l’œuvre photographique d'Eugène Atget (1857-1927). Son approche permet de découvrir un "Atget [...] non pas superbement isolé et réfractaire au monde qui l'entoure, mais parfaitement inséré dans l'espace social et politique d'avant 1914, accroché à un système de valeurs qui ont marqué son travail et peuvent l'expliquer".

L'auteur centre son analyse et son étude sur l'album Zoniers, dont la majorité des photographies sont issues de la période allant de 1910 à 1913. La "zone" était un anneau de 300 mètres de large qui entourait Paris au-delà des fortifications de Thiers. Cet espace pouvait, à certains endroits, ressembler à ce que l'on appelle aujourd'hui un bidonville. "Cette focalisation singulière sur les zoniers et les chiffonniers pourrait s'assimiler à un dispositif de reconnaissance des vaincus de l'histoire, déconsidérés, stigmatisés physiquement et symboliquement, chassés progressivement du centre de la capitale, puis des lieux qu'ils avaient occupés quelques décennies dans le 13ème arrondissement, et enfin de leurs derniers habitats au-delà des fortifications." Yannick le Marec s'intéresse également à la mise en page et à la confection, par Atget lui-même, de Zoniers. Les choix du photographe n’engendrent pas une organisation des photographies par ordre chronologique ou par unité de lieu. "Les acteurs - ou plutôt les types sociaux - d'Atget entrent en scène, jouent leur partition, sortent un instant et reviennent saluer un peu plus loin, tissant dans l'album une continuité qui n'a rien à voir avec le travail initial du photographe, lequel semble s'effacer pour donner sous nos yeux le spectacle d'un autre monde, sans doute un monde qui pourrait disparaître si l'on adopte le point de vue dominant, mais un monde qui résiste en conservant la trace des valeurs qu'Atget estime au plus haut point, la lenteur, la liberté de mouvement, l'unité de lieu entre la vie quotidienne et le travail. Ses hommes libres apparaissent, laissent place à d'autres, puis reviennent sur l'air d'un "on est toujours là", refrain entêtant de leur résistance."

Yannick Le Marec revient également sur des éléments, certainement méconnus, de la vie du photographe. On apprend, notamment, qu'Atget avait donné plus de 200 conférences au sein des Universités populaires parisiennes. Eugène Atget devait être en accord avec les idées mises en évidence par Yannick Le Marec lorsqu'il écrit à propos de Georges Deherme : "Tout en déclarant vouloir préserver l'autonomie ouvrière, Georges Deherme estimait indispensable de s'allier avec des savants, des artistes pour traiter avec eux de toutes les questions susceptibles d'intéresser le monde ouvrier [...]. L'Université populaire devait devenir ainsi, selon ses propositions, une sorte de société où l'on pouvait mettre en commun non des marchandises mais des idées, et les échanger au profit de tous."

Un texte qui éclaire, par une approche singulière, la vie d'un photographe à l'engagement exceptionnel.

Chris Killip aura mis une trentaine d'années avant de se décider à éditer les photographies réalisées à Skinningrove entre 1982 et 1984. La puissante intimité vécue avec les habitants de ce village a fortement marqué le photographe, il lui aura fallu des dizaines d'années pour prendre distance avec ces images. Essentiellement en noir et blanc les photographies de Chris Killip montrent cette communauté de pêcheurs dans leur quotidien. Aucune des personnes du village lui a demandé la raison de sa venue. Délicatesse et pudeur peuvent expliquer la liberté laissée au photographe. Chris Killip participa jusqu'à sa mort à la réalisation de ce livre, accompagné par Niall Sweeney, Nigel Truswell et Kent Rodzwicz. Stanley/Barker édite un magnifique livre à la mise en page très juste, à la photogravure très précise.

Ce magnifique livre d'art des éditions Hermann nous fait découvrir une facette inédite de Zola. Un Zola photographe ! Cet ouvrage, riche de contributeurs divers qui explorent avec finesse la pratique photographique de l'écrivain, nous dévoile un Zola pris dans son intimité mais aussi un grand photographe, étonnant de modernité. Loin du Pictorialisme à la mode, Zola développe une photographie objective, nette, tranchante et nous révèle son sens aigu de la composition aiguisé par son amitié avec Paul Cézanne, son travail de critique d'art ou son rôle de défenseur de l'Impressionnisme. Certains de ses clichés nous dévoile même un Zola "street photographe" avant l'heure. Et que dire de cet ensemble étonnant de natures mortes photographiques, véritable autoportrait réflexif et mélancolique où l'écrivain, à travers une mise en scène de ses livres et de ses portraits photographiques, médite sur la vanité de la célébrité et sur le temps qui passe. Une révélation !

Tout simplement trouver un refuge pour lui et sa famille . Il s'y installe en 1969 et ne va cesser de photographier les troubles jusqu'à sa mort en 1985.
La première chose qui surprend dans le travail d'Akihiko Okamura, c'est la richesse de sa palette de couleurs : les rouges profonds, les bleus délavés et les bruns ocres qui réaniment une époque turbulente si longtemps dépeinte uniquement en monochrome austère. La seconde est son style, qui tend vers l'observation tranquille plutôt que vers le reportage frénétique. Nous avons affaire à une nouvelle méthode de documentation du conflit qui se résumerait à des moments poétiques et éthérés de paix en temps de guerre.
Le photographe va rompre avec la tradition du photojournalisme, créant une série de natures mortes et d'abstractions. Leur palette douce et feutrée fonctionne en contrepoint de la situation violente dans laquelle elles ont été produites ; elles sont remarquablement en décalage avec les représentations photographiques conventionnelles, en noir et blanc, "héroïques", qui ont fini par définir cette période. Loin des photos habituelles montrant des voitures en feu, des visages en sang, Okamura capture des moments plus calmes, intimes et quasi-surréalistes qui révèlent son intérêt empathique pour les communautés qu'il a photographiées. Ce choix narratif intuitif est intimement lié à la profondeur de son attachement à l'Irlande et au peuple irlandais. La poésie qui émane de son travail n'est pas typique du photojournalisme où le sujet doit être central et évident. Ici, la violence passe à l'arrière-plan.
On sent le photographe attiré par les conséquences : des fleurs sur un trottoir taché de sang sous un drapeau noir flottant, deux jeunes filles endimanchées, portant des sacs à main, debout à côté d'un sanctuaire élaboré en l'honneur de l'un des premiers civils tués par des soldats britanniques dans une rue morne de Derry. Pour tous ceux qui ont vécu cette époque, ces photographies sont obsédantes par leur dureté et leur suggestion. Elles évoquent l'innocence perdue et préfigurent les temps plus sombres à venir.

Après "Volta" et "Terres Basses", la photographe signe "Wild Rose" un livre sur son retour au sein de la maison familiale. On y rencontre les thèmes récurrents de la photographie de Gabrielle Duplantier que sont les "paysages habités", les "portraits allégoriques" et les "animaux messagers". Uniquement en noir et blanc, les photographies de "Wild Rose" dévoilent les choses essentielles retrouvées par la photographe en revenant dans cette maison : sa famille, ses amis, les animaux, la forêt, le lac... Ce lieu est devenu un véritable refuge pendant les confinements, un lieu auquel elle a redonné forme tentant de se reconstruire elle-même par-delà les ruptures.
Encore un très beau livre édité par lamaindonne avec Guillaume Geneste à la photogravure.

Ce troisième livre d'Harry Gruyaert sur le Maroc est un symbole de la fascination qu'exerce ce pays sur le photographe belge. Cette fascination est liée à "l'accord splendide entre les formes, les couleurs, les gestes quotidiens et la nature" qui marque profondément l'auteur. Après son premier déplacement au Maroc dans les années 1970, Harry Gruyaert y retournera plusieurs fois dans un désir de retrouver ce choc initial avec davantage d'intensité. Par son travail il montre aussi la diversité des vêtements, des couleurs, des coutumes et des réactions face à l'étranger de Marrakech à Fès, en passant par Essaouira et Erfoud. Cependant l'approche d'Harry Gruyaert n'est pas celle d'un reporter qui se tient à distance de son sujet avec la volonté de montrer toutes les particularités de celui-ci. Au contraire, au Maroc, il a appris à photographier proche des personnes qui l'entourent, souhaitant que "chaque photo ait sa [propre] force". Finalement l'auteur de ces sublimes photographies considère ce livre comme l'expression d'un ravissement à l'égard du Maroc. Un très beau travail édité par Textuel.

Viviane Dorothy Maier est une photographe américaine. Née en 1926 et morte en 2009, sa production compte environ 150 000 photographies en noir et blanc et en couleur. Toute sa vie durant, elle travaille sur de nombreux sujets et son travail comprend aussi bien des autoportraits que des photos de villes, d'architectures, de rues, mais aussi et surtout des portraits pris sur le vif de ceux et celles qui les habitent, les traversent ou les hantent. Passionnée par sa discipline mais malheureusement condamnée à l’anonymat de son vivant, sa production ne fut découverte et valorisée qu’après son décès, aux alentours de 2010. 

Cette étude exhaustive permet de retracer le parcours de vie de l’artiste, de son histoire familiale complexe et tragique à son travail de nourrice, en passant par ses débuts dans la photographie jusqu’à sa consécration posthume. Très bien documentée, elle donne accès à de nombreuses photos d'archives inédites et offre une vision détaillée de ce qui caractérisait le travail de Vivian.  L’auteure s’attache également à évoquer certaines zones d’ombres de l’histoire de cette dernière, comme le destin de son grand-frère Carl ou celui de sa mère, Marie, des aspects qui n'avaient pas réellement été traités jusqu’alors dans les documentaires et travaux consacrés à la photographe.

Le flou est à l'origine un terme associé à la peinture. Le mot apparaît au XVIIe siècle comme une technique destinée à faire disparaître les traces de pinceau sur la toile afin d'accentuer une impression de réalisme. Lors de l'invention de la photographie le flou sera considéré, au contraire, comme un obstacle à une netteté photographique désirée. Peu à peu le progrès de la technique photographique va gommer ce flou mais paradoxalement la transparence, la netteté va paraître froide, trop technique. Ainsi le mouvement pictorialiste (1890-1914) va se servir du flou pour obtenir un effet pictural et consacrer la photographie comme un art à part entière et non un simple procédé de reproduction de la réalité. Les avant-gardes au XXème siècle vont également l'utiliser comme un des emblèmes de la modernité.
Ce livre, abondamment illustré, évoque ainsi tour à tour différentes types de flous qui racontent aussi une histoire de la photographie : Le flou scientifique, le flou de mouvement, le flou amateur, le flou commercial qui irradie autour des portraits de stars, par exemple, le flou expérimental, celui des avant-gardes jusqu'au flou de la photographie contemporaine. 
Un ouvrage essentiel qui ravira tous les curieux de l'art photographique.

Ce sur quoi notre regard glisse par habitude lorsque nous nous engageons sur les routes de nos régions les plus reculées, Eric Tabuchi et Nelly Monnier y ont porté systématiquement leur œil photographique. Travail herculéen, ils ont sillonné les routes de France pour établir un « Atlas des régions naturelles. » Ce premier volume expose les formes architecturales et paysagères (maisons, granges, silos, usines, commerces…) de différentes régions telles que la Beauce, le Nivernais ou le Santerre, mais également des formes récurrentes insolites telles que les camouflages ou les piscines verticales. Un livre dont le format rappelle les vieux guides de la route et qui propose une documentation jubilatoire des architectures et des paysages de nos campagnes. Une œuvre photographique à suivre avec attention...